"TRY AGAIN es un proyecto de estudio cultural y visual del presente en el que los videojuegos son una poderosa herramienta de difusión de ideología y de comprensión del mundo".

"(...) Aclarado que no se trata de una muestra de videojuegos, ni de un híbrido confuso, se puede afirmar que es una exposición de arte muy recomendable. Es seria, multidisciplinar (incluye un programa de proyecciones y performances), divertida y crítica, sin caer en lugares comunes y reflexiones reaccionarias o tópicas. La selección incluye obras representativas de diferentes tendencias, basadas en la modificación de célebres videojuegos comerciales, lo cual permite también un análisis de la evolución de este sector, desde los burdos juegos de guerra hasta los recientes braintrainings, que intentan captar nuevos segmentos de público.
(...)
Si aún quedaran dudas, para entender la diferencia entre estos y los productos comerciales habrá que ver cómo reaccionan los apasionados de videojuegos ante unas obras que utilizan sus conceptos, estrategias e incluso sus motores, pero que no sirven para jugar. Es de esperar que los atraigan hacia el mundo de la creación artística, aunque es posible que también haya rechazos, como pasó con The Velvet-Strike, una modificación pacifista del popular videojuego de guerra Counter-Strike, realizada por el barcelonés Joan Leandre, que le valió ser el único español seleccionado para la Bienal del Whitney de 2004.

Es cierto que en los últimos cinco años ha habido una explosión de iniciativas sobre los videojuegos debido a su gran actualidad y capacidad de conectar diversas disciplinas, como el cómic, el vídeo, las artes visuales y la animación. El ansia de novedades vinculada a los nuevos medios hace que el hecho se destaque a veces con cierto tono de reproche, lo cual sería como reprochar que se hayan hecho muchas muestras de pinturas o muchas películas sobre los campos de concentración nazis. Con la diferencia de que sobre este tema todavía hay mucho que investigar y descubrir... El juego acaba de empezar."

¿En qué consiste este proyecto para el Koldo Mitxelena?
Yo creo que tiene mucho que ver con mi forma de trabajar de los últimos años, basada en tener en cuenta la estructura de las salas en las que voy a exponer. A partir de ahí surge el tema y la selección de las piezas. Me gusta que la arquitectura del centro donde se expone tenga relación con el montaje, lo que en este caso es algo evidente, porque prácticamente se exhiben tantos proyectos como número de salas alberga este espacio.

En esa tendencia a entender de forma global el espacio que alberga la obra, ¿dónde residía el reto de este centro?
Creo que lo interesante aquí es la relación entre obra y lugar. No quiero caer en el típico montaje. A la hora de construir la exposición tiene que “suceder” algo, se le debe dar un sentido a este hecho, porque si no es así volvemos a caer en planteamientos del pasado. En este momento parte del discurso artístico consiste en considerar qué es exponer, qué significa la producción de obra, para qué se exhibe. Mi respuesta a esas preguntas es que no hay fórmulas mágicas, que debe nacer de un momento particular, de una especie de experiencia. El que venga a ver la exposición debe entender que la obra no es sólo el objeto, sino su instalación y la problemática que plantea el enseñar la obra.

La primera vez que te entrevisté te reconocías como pintor por encima de todo. Decías que no eras escultor y que tampoco controlabas la ocupación espacial. Sin embargo, en tu producción hay ahora mucho de tridimensional, de arquitectónico. ¿Cómo se consigue que al final prevalezca la mirada pictórica por encima de todo?
Yo soy pintor. Sin embargo, en este momento y con Behar gorria, no sé de verdad lo que soy. Parto de la pintura y, si miro lo que voy a exponer aquí, la pintura está en todas partes y a la vez no está, al menos no planteada desde un problema de imagen y de pintura interna, sino tal vez desde la pintura que no tiene por qué ser bidimensional. Otra cosa es que el resultado no sea el habitual, pero tampoco estoy descubriendo nada, porque sabemos que casi todo eso son previsiones de la vanguardia.

Hablemos de la relación forma / función que se establece en cada una de tus piezas.
Parece increíble, pero a la forma no le doy demasiada importancia. Casi aparece sola. Para mí es muy repetitiva y normalmente suele ser una excusa para seguir trabajando. Eso sí: centrarme en la función, en lo que algo tiene que ser y cómo tiene que ser, para qué sirve, es parte del proceso actual que estamos viviendo. Yo creo que el arte debe tener una función de formación, un lenguaje interno, pero en relación con la sociedad, lo sociológico, lo público.

¿Eso significa que ha de ser más ética que estética?
La exposición habla también de eso, porque algunos de los proyectos que la componen van a estar en vías públicas. Desde el momento en que nosotros, como artistas, como agentes del entramado, somos partícipes de lo que ocurre, además de heredar una situación, somos responsables de lo que está pasando y de lo que va a pasar: ahí está la ética.

• Ozuren basoa, 2008, óleo de 310x366 que se ha tomado como imagen de la exposición.
• Baga biga higa, 2008 , readaptación de la exposición del CAB en 2007.
• Orain berriz Gulliver, 2008, readaptación de la instalación en la feria Art Basel Miami Beach, 2004.
• Recreaciones , 2008, reinterpretaciones de piezas de Alexander Rodchenko.
• Instrucciones para náufragos, 2007, presentación de los 89 dibujos eróticos serigrafiados que conforman el libro del mismo título.
• Casa roja, 2008, readaptación de las piezas expuestas en la exposición Planes futuros. Arte español de los 2000 en el Baluarte en Pamplona en 2007.
• Bosgarren zubia, proyecto de intervención artística para la construcción del quinto puente en Donostia.
• Puente de hierro, propuesta de intervención artística en el puente de hierro de Donostia.

- La exposición se titula Behar gorria, primavera azul. ¿Por qué?
- Es un pareado contradictorio y cromático. «Behar gorria» habla de una necesidad, de una crisis, y «primavera azul» sugiere una imagen amable de calma que quiere decir lo contrario. Me gusta ese juego, y además, expuesto así, sin artículos, da a las palabras una fuerza casi escultural. Cuando ves una palabra en el diccionario tiene una presencia rotunda, como un cuerpo visual.

- Dice que vive unos momentos de crisis.
- A mí me gustan las crisis porque obligan al cambio: la crisis supone que un modelo viejo está muriendo y algo nuevo está naciendo. Las crisis son necesarias: suponen dudas, problemas, pero también nuevas opciones y planteamientos. Todo ese batiburrillo se ve en esta exposición: algo de lo que he sido, mucho de lo que soy y parte de lo que quiero ser.

- ¿Es esta exposición uno de sus mayores retos?
- Posiblemente. Hay que distinguir entre intensidad de producción e intensidad de proyecto. Una escultura en un lugar público, como he colocado recientemente en Murcia, no tiene tanto volumen como una gran exposición pero supone un desafío. Y hay exposiciones de muchas obras que tampoco tienen tanta entidad. Pues bien, ésta del KM es extensa en tamaño e intensa en potencia. Es un escaparate de primer orden. Hace cuatro años hice otra muestra importante en la sala Rekalde de Bilbao...

- ¿Exponer en Donostia, la ciudad donde vive, supone un reto suplementario?
- ¡Claro! Yo preferiría que esta exposición fuera en Burgos. En otros sitios te centras en un trabajo y prescindes del contexto. Aquí no puedo olvidar que me van a ver mis amigos, mi familia... Hace muchos años que no he expuesto en San Sebastián: ocho, desde la última vez que estuve en Galería DV. Es un regalo exponer en un espacio como el Koldo Mitxelena , pero un compromiso añadido. Ocurre igual cuando me proponen exponer en Bergara, mi pueblo: es un compromiso. Si pones algo muy rompedor, no encaja; si haces algo más accesible, quizás no te quedas conforme de la propuesta.